Cathedral bells : rêves parallèles
Avec Parallel Dreams, Cathedral Bells poursuit son exploration d’une dream pop vaporeuse et introspective, où les textures se superposent comme des souvenirs flous. Plus ample et nuancé, ce nouvel album marque une étape dans leur évolution sonore. Entre mélancolie diffuse et apaisement, le groupe façonne des paysages où le temps semble suspendu. Derrière ces compositions, une envie d’explorer autrement, sans perdre leur identité. Rencontre avec un univers en clair-obscur.
Parallel Dreams semble être le fruit d’une longue période de réflexion. Qu’est-ce qui a initialement donné naissance à ce projet ?
Une grande partie de Parallel Dreams est née d’une période où j’ai ralenti le rythme et pris davantage le temps de vraiment m’imprégner de ce que je ressentais. Après le dernier album, j’avais moins envie de me précipiter pour composer des chansons et davantage envie de créer quelque chose qui reflète mon état d’esprit émotionnel. Je faisais le tri dans beaucoup de souvenirs personnels, de relations, de changements de perspective, et ce projet est devenu un moyen de donner un sens à tout cela. Il est né moins d’un événement précis que du sentiment que j’avais besoin de créer quelque chose de plus immersif et de plus honnête.
Tu évoque un processus de composition plus lent et plus expérimental pour cet album : qu’est-ce qui a changé dans ta façon de composer ?
Avant, je me concentrais davantage sur l’élan, je terminais les chansons rapidement tant que l’idée était encore fraîche. Avec cet album, j’ai laissé les idées en suspens plus longtemps et je me suis donné la liberté d’expérimenter. J’ai passé plus de temps à explorer les textures, à dépouiller les chansons, à reconstruire les arrangements et à laisser les chansons évoluer naturellement au lieu de les forcer à entrer dans une structure tout de suite. Ce processus plus lent a donné aux chansons un aspect plus intentionnel et m’a permis de découvrir des sons que je n’aurais pas trouvés si je m’étais précipité.
L’album explore de nouvelles textures sonores et influences (notamment le slowcore). Qu’est-ce qui t’as attiré vers ces sonorités ?
J’ai été séduit par la patience qui se dégage de ce genre musical. Le slowcore possède une intensité émotionnelle qui naît de la retenue. Je voulais que les morceaux respirent davantage, qu’ils dégagent à la fois une impression d’intimité et d’espace. J’ai toujours aimé les textures denses et oniriques, mais je me suis davantage intéressé à la façon dont des arrangements minimalistes pouvaient véhiculer autant d’émotions, voire davantage.
Quelle est l’idée derrière le titre Parallel Dreams ?
Pour moi, « Parallel Dreams » représente les différentes réalités émotionnelles dans lesquelles nous pouvons nous trouver simultanément : le souvenir et le présent, l’espoir et la tristesse, la paix et l’incertitude. Beaucoup de chansons se situent dans cet espace intermédiaire où les émotions se chevauchent et se contredisent. Ce titre m’a semblé être un moyen de décrire ces mondes intérieurs qui coexistent, un peu comme si plusieurs versions de soi-même ou de sa vie se déroulaient en parallèle.
Depuis tes débuts, ton identité dream pop / shoegaze est très marquée. Comment trouves-tu l’équilibre entre évolution et fidélité à ton univers sonore ?
Je pense que le cœur de mon univers sonore a toujours été ancré dans l’atmosphère et l’émotion ; ainsi, même lorsque les textures ou l’approche de la composition changent, ce cœur reste le même.
Quelles ont été tes principales influences pour cet album (musicales ou autres) ?
Musicalement, j’ai été inspiré par des artistes qui créent une grande profondeur émotionnelle à travers l’atmosphère et la retenue. Le slowcore a sans aucun doute influencé le rythme et l’espace sur l’album, mais j’ai également été influencé par la musique ambient, la dream pop et les artistes qui savent rendre puissants des moments minimalistes. En dehors de la musique, beaucoup de choses sont venues de la réflexion personnelle : la nostalgie, l’évolution des relations, le passage du temps et l’étrange calme qui peut accompagner l’acceptation de l’incertitude.
Y a-t-il eu des moments de doute ou des obstacles au cours de ces deux années de travail ?
Tout à fait. Prendre plus de temps, c’est aussi se donner davantage l’occasion de tout remettre en question. Il y a eu des périodes où je n’étais pas sûr que les chansons allaient dans la bonne direction ou que l’album finirait un jour par me sembler achevé. J’ai abandonné des idées, retravaillé des chansons et beaucoup remis en question. Mais je pense que cette incertitude fait partie intégrante du processus. Au lieu de la combattre, j’ai appris à laisser le doute me guider vers ce qui me semblait sincère.
On ressent une certaine mélancolie mais aussi un sentiment de calme dans vos morceaux : quelles émotions souhaitais tu transmettre ?
Je voulais capturer cet espace où la tristesse et la paix peuvent coexister. La plupart des émotions qui sous-tendent l’album ne sont pas dramatiques, ce sont des sentiments plus discrets comme la nostalgie, l’acceptation, la réflexion et la distance émotionnelle. Il y a de la mélancolie là-dedans, mais aussi du réconfort. Je voulais que la musique donne l’impression de s’asseoir avec ces émotions plutôt que d’essayer de leur échapper.
Au départ, Cathedral Bells était un projet très personnel. Qu’est-ce qui t’as poussé à inviter d’autres musiciens à se joindre au projet ? Était-ce une nécessité artistique ou humaine ?
Les deux. Cathedral Bells a commencé comme quelque chose de très personnel, mais avec le temps, j’ai réalisé que la collaboration pouvait enrichir le projet plutôt que de lui nuire. Sur le plan artistique, faire appel à d’autres personnes m’a ouvert des idées et des perspectives auxquelles je n’aurais pas pu accéder seule. Sur le plan humain, la musique semble plus vivante lorsqu’elle est partagée. Inviter d’autres personnes m’a permis de me sentir moins isolée dans ce processus et a aidé les chansons à évoluer de manière naturelle.
Quand on commence en tant que projet solo, on a le contrôle total. Comment as-tu appris à t’ouvrir et à laisser les autres entrer ?
Au début, c’était difficile, car quand quelque chose est si personnel, on se sent vulnérable à l’idée de laisser d’autres personnes le façonner. Mais j’ai appris que la collaboration ne signifie pas perdre le contrôle, mais faire confiance aux gens pour qu’ils apportent quelque chose de significatif. Une fois que j’ai vu à quel point la musique pouvait devenir plus forte grâce à cette confiance, il m’a été plus facile de m’ouvrir. Cela m’a appris que protéger sa vision et la partager ne sont pas deux choses opposées.
Envisages-tu de venir promouvoir ton album en Europe et en France ?
J’adorerais vraiment rejouer en Europe, et surtout en France. Pour l’instant, nous espérons vraiment que cela se concrétisera lorsque le moment sera venu. Cela signifierait beaucoup pour moi de pouvoir partager cet album dans ce cadre et d’échanger en personne avec le public là-bas.
Merci à Matthew Messore de nous avoir accordé cette interview.
parallel dreams | cathedral bells
Parallel Dreams seems to be the result of a long period of reflection. What initially triggered this project?
A lot of Parallel Dreams came out of a period where I was slowing down and taking more time to really sit with what I was feeling. After the last record, I felt less interested in rushing to make songs and more interested in creating something that reflected where my head was at emotionally. I was processing a lot internal memories, relationships, changes in perspective, and the project became a way to make sense of those things. It started less from a specific event and more from the feeling that I needed to make something more immersive and honest.
You are talking about a slower and more experimental process for composing this album: what has changed in your way of composing?
In the past I was more focused on momentum, finishing songs quickly while the idea was fresh. With this album I allowed ideas to stay unfinished for longer and gave myself room to experiment. I spent more time exploring textures, stripping songs back, rebuilding arrangements, and letting songs evolve naturally instead of forcing them into a structure right away. That slower process made the songs feel more intentional and let me discover sounds I wouldn’t have found if I rushed.
The album explores new sound textures and influences (notably slowcore). What drew you to these sounds?
I was drawn to the patience in that kind of music. Slowcore has this emotional weight that comes from restraint. I wanted the songs to breathe more, to feel intimate and spacious at the same time. I’ve always loved dense dreamy textures, but I became more interested in how minimal arrangements could carry just as much emotion, maybe even more.
What is the idea behind the title “Parallel Dreams” ?
To me, Parallel Dreams represents the different emotional realities we can exist in at once a memory and the present, hope and sadness, peace and uncertainty. A lot of the songs live in that in-between place where emotions overlap and contradict each other. The title felt like a way to describe those inner worlds happening side by side, almost like multiple versions of yourself or your life unfolding in parallel.
Since your beginnings, your dream pop / shoegaze identity has been very marked. How do you find the balance between evolution and loyalty to your sound?
I think the core of my sound has always been rooted in atmosphere and emotion, so even when the textures or songwriting approach change, that core stays the same.
What were your main influences on this album (musical or otherwise)?
Musically, I was inspired by artists that create a lot of emotional depth through atmosphere and restraint. Slowcore definitely influenced the pacing and space on the record, but I was also influenced by ambient music, dream pop, and artists who know how to make minimal moments feel powerful. Outside of music, a lot came from personal reflection — nostalgia, changing relationships, the passage of time, and the strange calm that can come with accepting uncertainty.
Were there moments of doubt or obstacles during these two years of work?
Definitely. Taking more time also means giving yourself more opportunities to question everything. There were stretches where I wasn’t sure if the songs were going in the right direction or if the record would ever feel complete. I scrapped ideas, reworked songs, and second-guessed a lot. But I think that uncertainty became part of the process. Instead of fighting it, I learned to let the doubt guide me toward what felt honest.
One feels a certain melancholy but also a sense of calm in your pieces: what emotions did you want to convey?
I wanted to capture that place where sadness and peace can coexist. A lot of the emotions behind the album aren’t dramatic, they’re quieter feelings like longing, acceptance, reflection, and emotional distance. There’s melancholy in that, but also comfort. I wanted the music to feel like sitting with those emotions rather than trying to escape them.
In the beginning, Cathedral Bells was a very personal project. What prompted you to invite other musicians into the project? Was it an artistic or a human necessity?
It was both. Cathedral Bells started as something very personal, but over time I realized collaboration could deepen the project instead of taking away from it. Artistically, bringing in other people opened up ideas and perspectives I wouldn’t have reached alone. On a human level, music feels more alive when it’s shared. Inviting others in made the process feel less isolated and helped the songs grow in ways that felt natural.
When you start out as a solo project, you have full control. How did you learn to open things up and let others in?
At first it was hard because when something is so personal, it feels vulnerable to let other people shape it. But I learned that collaboration doesn’t mean losing control, it means trusting people to contribute something meaningful. Once I saw how much stronger the music could become through that trust, it became easier to open up. It taught me that protecting the vision and sharing the vision aren’t opposites.
Do you plan to come and promote your album in Europe and in France?
I’d really love to play in Europe again and especially France. Right now we’re definitely hoping to make that happen when the timing is right. It would mean a lot to be able to share the album in that setting and connect with listeners there in person.
Thank you to Matthew Messore for granting us this interview.
