Van Chamberlain : le spleen made in Brooklyn

À l’occasion de la sortie de leur deuxième album As Far As the Eye Can See, le groupe américain Van Chamberlain nous invite à plonger dans un univers où le rock indépendant se mêle à des atmosphères rêveuses et mélancoliques. Entre héritage indie des années 1990, textures sonores délicates et quête d’une identité singulière, le trio de Brooklyn poursuit son exploration musicale. Rencontre avec des musiciens pour qui la mélancolie semble être bien plus qu’une simple émotion : un véritable moteur créatif.

Y a t-il des artistes qui vous ont donné envie de créer Van Chamberlain ?

Jacob et moi, on a toujours joué dans des groupes ensemble depuis qu’on est gamins, donc c’est en quelque sorte une seconde nature pour nous. Une partie du concept initial, lorsque nous avons lancé Van Chamberlain, consistait à renouer avec la musique qui nous avait inspirés à nos débuts, à savoir, bien sûr, la musique alternative et la jangle pop des années 90. Pas seulement le son, mais aussi l’ambiance et l’esthétique de la musique des années 90. Lorsque nos fans nous disent que certains éléments de notre musique leur rappellent Ride, Elliott Smith ou Miracle Legion, cela nous fait naturellement très plaisir.

Votre musique oscille entre dream pop, jangle pop et rock alternatif des années 1990. Comment avez-vous réussi à transformer ces influences en une identité qui vous est propre ?

On est clairement dans l’indie rock, et on veut rester dans l’indie rock, mais on veut aussi être un peu plus difficiles à cerner au-delà de ça, parce qu’on souhaite offrir une expérience émotionnelle unique quand on écoute nos albums. Je pense que ça tient en partie à notre aversion naturelle à être trop cantonnés à un genre spécifique. Pour nous, l’écriture de chansons doit laisser place à la liberté créative, sinon on se dit : « À quoi bon ? »

Et quand on s’inscrit dans un genre bien défini, comme le shoegaze, la new wave ou autre, on a l’impression que les règles sont assez figées et que les choix sont un peu prédéterminés. On a le sentiment de donner le meilleur de nous-mêmes quand on évolue dans notre propre petit univers d’influences et d’inspiration, et non dans celui de quelqu’un d’autre.

Brooklyn est une ville qui a beaucoup marqué l’histoire récente du rock indépendant. Est-ce que votre environnement influence directement votre musique ? 

Et comment ! Ici, l’histoire du rock indépendant est omniprésente. C’est extrêmement motivant en tant qu’artiste. Nous avons enregistré notre premier album dans un studio appelé Strange Weather, situé à un pâté de maisons de chez nous (Jake et moi vivons dans le même immeuble) et qui a vu naître certains des albums de rock indépendant les plus emblématiques de l’histoire récente.

C’est là que nous avons rencontré Garret de Block, notre ingénieur du son et producteur, qui fait désormais pratiquement partie intégrante de Van Chamberlain. Quand est venu le moment d’enregistrer ce deuxième album, nous savions exactement qui appeler. Mais oui, tant de musiques géniales sont nées dans cet arrondissement et continue de le faire. Impossible de ne pas adorer vivre dans un endroit comme celui-ci, ça imprègne tout.

Est-ce que la scène indépendante new-yorkaise est encore aussi vivante et stimulante qu’auparavant ?

À 100 %. C’est évidemment une période très particulière pour l’industrie musicale en général. Mais le côté positif, c’est que la scène indie qui existe ici à Brooklyn est vivante et dynamique : l’énergie y est palpable, il y a des concerts tous les soirs et de nouvelles salles ouvrent sans cesse. Ici, des groupes de tous horizons font les choses tellement bien que ça vous pousse à toujours vous surpasser. Il y a ici plus de groupes, de salles et de studios qu’on ne peut en compter, et ils sont tous vraiment bons. On découvre sans cesse quelque chose de nouveau.

Votre relation fraternelle est-elle un avantage dans la création ou peut-elle parfois devenir un obstacle ?

Oh, c’est un atout, c’est certain, ça ne fait aucun doute. On n’a qu’un an et demi d’écart, on est pratiquement inséparables. On a cette complicité télépathique en musique : on est presque toujours sur la même longueur d’onde, ou on sait d’une manière ou d’une autre quelle partie doit venir ensuite, quel doit être le rythme, ou comment le son doit résonner.

En tant qu’auteur-compositeur, Jacob est mon plus grand soutien : il me remonte le moral quand le doute m’envahit, personne ne croit en moi autant que lui, et notre collaboration pour transformer les chansons en expressions musicales à part entière du groupe est une aventure à parts égales que nous n’aurions tout simplement pas pu trouver avec aucune autre combinaison de personnes.

Quand vous composez, est-ce que vous partez d’une émotion, d’une mélodie ou d’une texture sonore ?

Il n’y a pas vraiment de méthode bien définie pour que je commence une chanson : il s’agit simplement de rester ouvert pour la laisser venir, quelle que soit la façon dont on appelle cette force créatrice supérieure qui veille sur nous tous. On prend sa guitare pour la centième fois et, tout à coup, on se retrouve à jouer quelque chose de totalement nouveau qui procure une sensation incroyable et exaltante.

Pour moi, l’essentiel est de saisir l’instant présent, quoi qu’il arrive, de capturer ces moments à l’aide de mémos vocaux ou de démos brutes, puis de les retravailler au fil du temps. J’ai aussi un million de notes sur mon téléphone, composées de phrases et de mots aléatoires qui pourraient devenir de futurs refrains accrocheurs, et je m’en inspire souvent. D’autres fois, les paroles surgissent comme un éclair, comme pour Miracle Drug. Ces mots sont simplement sortis de moi, et j’ai tout de suite su que c’était ça. Solutions s’est également mise en place en une heure environ.

Chaque chanson naît donc un peu différemment, mais c’est généralement un moment d’expression émotionnelle pure qu’il faut savoir capter. Un autre outil essentiel pour moi est la pédale Boss Loop Station. Une grande partie des parties de guitare superposées sur nos deux albums ont été composées sur cette pédale, dans divers états de profonde inspiration créative au sein de notre studio de répétition. Je publie parfois ces moments en ligne.

Entre In the Sun et As Far As the Eye Can See, qu’est-ce qui a le plus changé dans votre manière d’écrire et d’enregistrer ?

 Nous avons eu la chance de jouer In the Sun en concert pendant un an et demi, et nous avons commencé par dresser une liste du genre : « Bon, de quels types de chansons notre set a-t-il besoin ? Quels moments nous manquent ? » Je savais que je voulais commencer à composer des morceaux qui aient plus d’immédiateté pour l’auditeur, mais je ne voulais pas non plus perdre nos textures oniriques et ces éléments de découverte. Je pense que d’un point de vue de l’écriture, il s’agissait simplement d’être plus honnête à tous les niveaux.

C’est là toute la beauté de tout processus créatif. On achève un album, puis on se demande : « Où aurais-je pu être plus honnête ? » Et on entame le suivant en partant de cette réponse. Il y avait certaines règles sonores sur In the Sun que j’avais hâte d’enfreindre cette fois-ci. Par exemple, sur In the Sun, j’étais très attaché aux « sons clairs uniquement ». Et au moment où cet album a été écrit, j’étais tombé amoureux des pédales de chorus vintage et des textures de bande déformée, et nous avons même ajouté un peu d’overdrive ici et là à certains endroits. Les règles sont faites pour être enfreintes, en temps voulu, à chaque fois, bon sang !

« Dans The Right Line, la mélancolie semble liée à une volonté d’apporter de l’espoir à quelqu’un qui traverse une période difficile. Est-ce que vous envisagez la musique comme un moyen de transformer la mélancolie en quelque chose de positif, et est-ce un sentiment qui nourrit votre processus créatif ?

C’est vraiment une excellente façon de présenter les choses, oui, je pense que la musique est sans aucun doute un moyen de transformer la mélancolie en quelque chose de positif. Pour moi, la mélancolie est étroitement liée à la beauté, bien plus que la joie. La mélancolie recèle une certaine perspective, de la profondeur et de la perspicacité, et quand on parvient à l’orienter vers quelque chose de positif, on dispose d’un champ créatif bien plus vaste que celui d’une joie toute faite. Ce n’est pas que je sois opposé à la musique festive, mais même les meilleures chansons joyeuses renferment cette petite pointe de mélancolie lancinante, et tout le monde sait de quoi je parle ! Je suis un fan des accords mineurs et j’en suis fier !

Y a-t-il des morceaux de ce nouvel album qui ont pris une direction totalement inattendue pendant leur composition ?

À l’origine, Room Service avait un refrain totalement différent, et s’intitulait Alien. Nous avions enregistré la chanson dans son intégralité, mais ça ne collait pas. Au lieu de nous sentir obligés de nous en tenir à cette version parce qu’elle était terminée, nous nous sommes accordés la liberté de reconnaître que ce n’était pas ça, qu’il fallait la refaire. Nous avons donc mis cette version de côté. J’ai pris le temps de réécrire le refrain, et c’est à ce moment-là que l’outro a vu le jour.

Nous avons réenregistré la chanson dans son intégralité lors de la dernière session d’enregistrement de l’album. C’est désormais l’une de mes chansons préférées de l’album. Au total, nous avions environ 20 chansons en préparation pour cet album, qui ont été réduites à 10. Quelques-unes figureront sur le prochain album, d’autres devront peut-être attendre la sortie d’un recueil de titres rares plus tard, si elles ont de la chance.

Le rock indépendant semble aujourd’hui tiraillé entre liberté artistique et impératifs de visibilité numérique. Comment faites-vous pour préserver votre intégrité musicale ?

Ouais, c’est une question vraiment pertinente. Jake et moi, on se pose tout le temps cette question. On a récemment accepté le fait que ce qui nous semble juste, personnellement, c’est simplement de laisser notre travail parler de lui-même, plutôt que de courir après la prochaine tendance TikTok ou je ne sais quoi. En tant que fans de musique, c’est pas non plus ce qu’on attend des groupes.

On essaie pas d’imposer notre musique à tout le monde, c’est tout simplement pas notre façon d’être. La plupart des artistes ne sont ni des influenceurs, ni des vendeurs. On a toujours eu un petit côté anti-système, depuis qu’on est gamins, et je suppose que ça va de pair avec une aversion innée à sacrifier sa dignité au profit d’un algorithme. On est fiers de la musique qu’on fait, et on est heureux de la partager et de la promouvoir, mais ça doit se faire d’une manière qui nous semble naturelle et authentique. C’est vraiment ce qui doit toujours passer en premier, pour tous les artistes.

Parfois, le chemin que nous choisissons semble plus long, mais aucune autre voie n’en vaudrait la peine. Je pense que beaucoup d’artistes sont simplement pris dans une période en ligne vraiment étrange, et nous faisons de notre mieux pour rester fidèles à nous-mêmes malgré tout.

Votre musique est riche en textures et en atmosphères. Comment transpose-t-on cet univers en concert sans perdre sa subtilité ?

Nous avons 2 ou 3 guitaristes sur scène, ainsi qu’un claviériste. Ce sont tous des amis très talentueux qui se relaient plus ou moins, en fonction de leurs disponibilités. Notre bassiste Mike et notre claviériste Oscar sont les piliers de tout le groupe, et ils ont joué sur nos deux albums. La plupart de nos morceaux comportent entre 3 et 6 pistes de guitare (voire plus), avec beaucoup de superpositions.

En concert, deux guitares, c’est le minimum ; on est vraiment ravis quand on peut en avoir trois. La plupart des textures de notre album se retrouvent également sur mon pédalier, notamment une réverbération Old Blood Endeavors et un chorus vintage Ibanez BC10 Bass. Mais on n’a pas d’énormes pédaliers, ne vous méprenez pas. J’ai une règle : quatre pédales maximum.

Notre producteur, Garret, est l’un des plus talentueux du milieu. La plupart des ingénieurs du son qui travaillent dans les salles où nous jouons ont entendu ce qu’il a fait sur nos albums et savent comment traiter ma voix, qui est assez douce. Mais dans un monde idéal, nous emmènerions Garret avec nous partout où nous jouons, ce serait génial. Pour nous, peut-être pas pour lui.

Y aura-t-il une sortie en vinyle de *As Far As the Eye Can See ?

Oui, des vinyles et des CD. Les CD sortent en même temps que la version numérique, et les vinyles seront disponibles début 2027. On organise une soirée de lancement de l’album à Bushwick le 3 décembre au Sleepwalk. Il y aura un open bar et l’entrée est gratuite, comme il se doit pour toutes les bonnes soirées.

Comptez vous défendre votre nouvel album sur scène en Europe et en France ?

On serait ravis de venir, si vous voulez bien nous accueillir !

Merci à Van Chamberlain de nous avoir accordé cet entretien.

Musique | Van Chamberlain

To mark the release of their second album, As Far As the Eye Can See, the American band Van Chamberlain invites us to immerse ourselves in a world where indie rock blends with dreamy, melancholic atmospheres. Combining the indie legacy of the 1990s with delicate soundscapes and a quest for a unique identity, the Brooklyn-based trio continues its musical exploration. We meet the musicians for whom melancholy seems to be much more than just an emotion: a genuine creative force.

Are there any artists who inspired you to start Van Chamberlain?

Me and Jacob have had bands together since we were kids, so its sort of second nature to us. Part of the original concept when we started Van Chamberlain was about getting back in touch with music that inspired us when we first started out, which was of course 90s alternative and jangle pop music. Not just the sound, but the mood and aesthetic of 90s music too. When our fans say elements of our music remind them of Ride, Elliot Smith, or Miracle Legion, we are naturally pretty happy about it. 

Your music moves between dream pop, jangle pop, and ’90s alternative rock. How have you managed to turn these influences into a sound of your own?

We are indie rock for sure, and we wanna be indie rock, but we also wanna be a little harder to pin down beyond that point, because we want to offer a unique emotional experience when you put on our records. I think part of it is our natural aversion to being placed too much within any specific genre. Songwriting needs to have creative freedom for us, otherwise its like “why bother?” And when you’re participating within a set genre, say shoe gaze or new wave or whatever, to us, the rules can feel pretty set, and decisions can feel kinda scripted. We feel we can achieve our best work when we’re in our own little universe of influences and inspiration- and not anyone else’s.

Brooklyn has played a major role in the recent history of indie rock. Does your surroundings directly influence your music?

Hell yes. The indie rock history here is everywhere you turn. That’s so motivating as an artist. We did our first record at a studio called Strange Weather, which was a block from where we live ( me and Jake live in the same apartment building) and which generated some of the most iconic indie rock albums in recent history. That’s where we met Garret de Block, our engineer and producer, who’s pretty much an extended member of Van Chamberlain at this point. When it came time to make this second record, we knew exactly who to call. But yes, so much great music came out of this borough and continues to. You can’t not love living somewhere like this, it permeates into everything. 

Is the New York indie scene still as vibrant and inspiring as it used to be?

100 percent. Its obviously a very weird time in the music industry in general. But the silver lining is that the tangible, real life indie scene that’s here in Brooklyn is alive and vibrant, the energy is kinetic, there’s shows every night, there new venues opening all the time. Bands of all stripes here do things so incredibly well that it pushes you to always do things at a higher level yourself. There’s more bands and venues and studios here than you can keep track of, and they’re all really good. You’re always finding something new.

Is your bond as brothers an asset when it comes to making music, or can it sometimes become a challenge?

Oh, its an asset for sure, no doubt about it. We’re only a year and a half apart in age, pretty much as close as you can get. We have that telepathic thing with music where we’re almost always on the same page, or somehow know what part needs to come next, or what the beat should be, or how the tone should sound. For me as a song writer, Jacob is my biggest supporter, he picks me up when I’m hit with doubt, no one believes in me as much as him, and our collaboration to turn songs into full band expressions is a 50/50 venture that we just could not find with any other combo of humans. 

When you write music, do you start with an emotion, a melody, or a sonic texture?

So there’s not really a set way a song gets started for me-  its really just maintaining a state of openness to receive it from whatever you might call that greater creative force watching over all of us. You pick up the guitar for the 100th time and all of a sudden you find yourself playing something totally new that feels amazing and exciting. For me, its all about striking when its hot no matter what’s going on, collecting those moments with voice memos or raw demos, and working on them over time.

I also have a million notes on my phone of random phrases and words that could be future hooks, and I reach for those a lot, too. Other times lyrics come like a lightning bolt- like with Miracle Drug. Those words just came out of me, and I new that was it. Solutions also came together in about an hour. So every song happens a little differently, but its usually a moment of pure emotional expression that needs to be harnessed. Another essential tool for me is the boss loop station pedal. A lot of the layered guitar parts on both our records were composed on that pedal in various states of a deep creative groove inside our rehearsal studio. I post those moments online sometimes. 

Between In the Sun and As Far As the Eye Can See, what has changed the most in the way you write and record music?

We got to experience a year and a half of playing In the Sun live, and we started with making a list of like “ok, what kinds of songs does our set need, what kinds of moments are we missing?” I knew I wanted to start making songs  that have more immediacy for the listener, but I also didn’t want to loose our dreamlike textures and elements of discovery, either. I think from a writing perspective it was just about being more honest on every level.

I think that’s the beauty of any creative process. You complete a body of work and then ask yourself, “where could I have been more honest?” And you start the next one from that answer. There were some tonal rules on In the Sun I was excited to  break this time. For instance on In the Sun I was really into “clean-tones only”. And by the time this new one was written, I had fallen in love with vintage chorus pedals and warped tape textures, and we even pushed a little overdrive here and there in spots. Rules are made to be broken, in due time, every damn time. 

In “The Right Line,” melancholy seems to be connected to a desire to bring hope to someone going through a difficult time. Do you see music as a way of turning melancholy into something positive? And is melancholy itself an emotion that drives your creative process?

That’s actually such a good way to put it –  yes, I think music is totally a way of turning melancholy into something positive. Melancholy to me sits right next to beauty, much more so than happy. Melancholy contains perspective, and depth, and insight, and when you can bend that toward something positive, you have so much more to play with creatively than something that’s just out- of- the- box happy. Not that Im opposed to party music, but even the best happy songs have that little aching call of melancholy in them, and everyone knows what Im talking about! I’m a minor chord kid and proud of it.

Were there any songs on the new album that took a completely unexpected direction during the writing process?

Room Service originally had a totally different chorus, and it was called Alien. We recorded the whole song, but it just wasn’t sitting right. Instead of feeling like we had to commit because it was done, we allowed ourselves the freedom to say it just wasn’t it– that it needed a redo. And so we shelved that version. I took some time to rewrite the chorus, and the outro happened then too. We re-recorded the whole song at the last session for the album. Its now one of my favorite songs on the album. . All in all there were about 20 songs in work for this album that got narrowed down to 10. A couple will be on the next one, others may have to wait for some kind of rarities release down the line, if they are lucky.

Indie rock today seems to be caught between artistic freedom and the pressure to maintain visibility in the digital world. How do you manage to preserve your artistic integrity?

Yeah, that’s a really pertinent question. Me and Jake weigh that all the time. We recently accepted the fact that what feels right to us personally is just letting the work speak for itself, instead of chasing the next TikTok trend or whatever. As fans of music, we don’t want that from bands, either. We’re not trying to force our music down everyones throat, that’s just not who we are as people. Most artists are not influencers, or salesmen. We’ve always had a little anti-establishment side to us, since we were kids, and I guess that comes with an innate aversion to sacrificing your dignity to the algorithm.

We’re proud of the music we make, and we’re happy to share it and promote it, but it has to be in a way that feels natural and authentic to us. That’s really gotta come first always, for all artists. Sometimes the path we choose feels like the long way, but any other way wouldn’t be worth it. I think a lot of artists are just caught up in a really weird online moment, and we’re doing our best to be true to ourselves during it. 

Your music is rich in textures and atmospheres. How do you translate that sonic world to the stage without losing its subtlety?

We have 2-3 guitarists on stage as well as someone on synths. All are really talented friends of ours who sort of rotate in an out, depending on people’s availability. Our bass player Mike and synth player Oscar are keystones to the whole operation, and played on both our records. Most of our songs have 3-6 (or more) guitar tracks, lots of layers. So live, 2 guitars is a minimum, we’re really happy when we can have 3. Most of the textures on our record are also on my pedal board, namely an Old Blood Endeavors reverb and an vintage Ibanez BC10 Bass chorus.

We don’t have huge pedal boards though, don’t get the wrong idea. I have a rule, 4 pedals max. Our producer Garret is one of the most talented in the game. Most sound people working the venues we play hear what he did on our records and know how to treat my vocals, which are quite soft. But in a perfect world we’d take Garret with us wherever we play, that would be awesome. For us, maybe not for him. 

Will there be a vinyl release of  As Far As the Eye Can See ?

Yes, vinyl and cds. Cds are coming out with the digital release, and vinyl will be here in early 2027. We’re having an album release party in Bushwick on Dec 3rd at Sleepwalk. There’s an open bar and admission is free, as all good parties should be.

Do you plan to tour Europe and France to support your new album? 

We’d absolutely love to if you’d have us!

Thank you to Van Chamberlain for granting us this interview.

Musique | Van Chamberlain